Estéticas Contemporáneas: El concepto como arte

Como sostiene Andrea Giunta, más allá de las fechas que nos indican cuando comienza la posmodernidad y cuando el arte moderno y contemporáneo, el arte fue experimentado una serie de cambio radicales en las formas de representación que llevaron a su autonomía como lenguaje artístico.

El arte contemporáneo llega luego del arte concreto, cuando el mundo real irrumpe en la obra utilizando materiales de la vida misma, objetos, cuerpos reales, la basura, los sonidos cotidianos, estableciendo diálogos con otros mundos paralelos como la fotografía, el diario y la tv. Estas formas ya era utilizadas por el movimiento Dada, los surrealistas y los cubistas, pero fue después de la segunda guerra cuando se profundizan y generalizan.

El tiempo de la posguerra, marcó un giro en la vida de la gente, una nueva dinámica, nuevos recorridos. París era en la modernidad la meca del arte y todo estudiante que pretendía cierto reconocimiento y capacitación iban a estudiar o a radicarse a la ciduad de las luces. Todo fue cambiando y aparecen nuevos horizontes para investigar y valorar. Culturas y sociedades que necesitaban ser reflejadas por el arte. Se establecen nuevas búsquedas de datos. Era inminente saber cual era el próximo paso. Nueva York toma la posta y se convierte en centro de las artes.

El Arte conceptual apareció a mediados de los años 60. Los artistas de este movimiento se motivaron por el reto de alterar los presupuestos acerca del arte, el conceptos como belleza, la calidad, y la diferencia entre un documento y una obra de arte. Cuestionaban los significados convencionales a través de los cuales el público consumía arte, iba a las galerías y a los museos y desafiaba a los críticos y su capacidad de evaluar lo que era o no arte.

Lo primordial es el "concepto de la obra", tratando de mantener la experiencia estética sin que medie en ella la elaboración artística, el valor plástico de los objetos siendo un arte sustancial de las ideas, la información y el conocimiento donde su sentido artístico está en el contenido conceptual desarrollado. Su temática puede explorar, atestiguar, cuestionar, criticar o denunciar la realidad actual del entorno social, político o económico, o hacer una introspección al pensamiento o vivencias del artista, recurriendo a la ironía, sátira o la polémica en su forma de manifestación buscando la reflexión y la lectura del concepto artístico.

Origen del arte conceptual

Es algo común decir que esta modalidad de arte se originó con los ready- mades de Marcel Duchamp entre 1910 y 1920. Duchamp se incorporó al arte conceptual en 1913 con la obra "La rueda de bicicleta", que consta de una sola rueda de bicicleta montada invertida hacia abajo por el tenedor en una banqueta de madera, pero sin duda el más famosos de sus “readymades” fue Fuente del 1917, que era un orinal de porcelana, reorientado 90 grados y será en los 50, cuando Duchamp re-hizo obras, porque muchos originales se perdieron, como Rueda de bicicleta y Fuente para la Galería Sidney Janis de Nueva York, provocando un resurgimiento por el interés por su trabajo. Esta idea desató una técnica nueva para las obras artísticas y es que ya no se representaban objetos tal y como el fabricante lo había creado si no que ahora a ese objeto se le daba una representación puramente intelectual.

Uno de los pioneros de este estilo fue Joseph Kosuth en Nueva York a mediados de los 60, desarrollando un modelo analítico basado en la premisa de que el arte debía cuestionar continuamente su propia intención, su trabajo más importante fue un ensayo de tres partes titulado “El arte después de la filosofía” en el 1969.

En 1965, los Minimalistas se inspiraron en la abstracción geométrica, formas, composiciones industriales, que querían lograr el mejor efecto posible en el espectador modificando lo menos posible la forma.

En 1968, se creó un grupo de ingleses conocidos como “Art and Language Group“ que negaban la aproximación y métodos del “Arte por el arte”, y creían en que la fuente del significado en artes visuales debía ser el lenguaje.

También se crearon otros movimientos como el llamado Land Art, creando trabajos que expresaban un carácter efímero y una unión entre el hombre y la naturaleza; el Performance, el Happening y el Body Art, utilizando el cuerpo humano como medio de comunicación, combinando las cualidades de las artes visuales, con movimientos corporales y habilidades para la actuación,usando la violencia y repulsivas conductas hacia el cuerpo humano, a veces.

Hay muchos artistas destacados en este movimiento entre ellos están: en 1917 destacó el artista Marcel Duchamp, en 1953 destacó el artista Robert Rauschenberg, en 1956 destacó el artista Isidore Isou, en 1957 destacó el artista Yves Klein, en 1958 destacó el artista Wolf Vostell, en 1960 destacó el artista Stanley Brown, en 1961 destacó el artista Piero Manzoni , en 1962 destacó los artistas Christo y Jeanne- Claude, en 1963 destacó el artista Henry Flynt y siguieron apareciendo artistas destacados hasta 1965 pero esto son algunos de los más conocidos y sus obras realizadas durante esos años.

Desde el fin del Informalismo y los inicios del Pop; se da un progresivo fenómeno de desmaterialización del objeto artístico, en donde la obra física se convierte en mero residuo documental de la verdadera obra de arte: la experiencia misma, la idea, el concepto que subyace al objeto, en una suerte de desmaterialización del objeto artístico.

El hecho de que, en el Arte Conceptual, la visualidad ya no fuera indispensable para que una obra de arte fuera arte, puso en crisis el discurso de la crítica, hasta ese momento hegemónico, y supuso el punto de ruptura entre modernismo y posmodernismo.

A finales de los sesenta –con la irrupción del arte conceptual– cambiaron además las relaciones de la crítica respecto de la obra de arte. Uno de los elementos clave en este periodo fue el acercamiento de roles de críticos y artistas, muchos de los cuales empezaron a teorizar y analizar sus propios trabajos, elaborando algunos de los textos esenciales sobre Arte Conceptual. Por su lado, los críticos se adentraron con mayor profundidad en el hecho expositivo, elevando la exposición a un nivel singularmente creativo y de tesis, relegando la escritura a un segundo plano.

Todos estos tipos ofrecen el carácter común de su inutilidad práctica, de su aspecto turbador y extraño, de la arbitrariedad, contradicción y heterogeneidad de los elementos que lo constituyen.

Las funciones del crítico y del artista estaban tradicionalmente divididas; al artista le concernía la producción de la obra y el trabajo del crítico era evaluarla e interpretarla. En las últimos décadas del siglo XX el desarrollo del Arte Conceptual elimina esta división. Los mismos artistas realizan también labores habitualmente reservadas a los críticos, como el comisariado (curatoría).

De este modo la característica fundamental del Arte Conceptual radica en la abolición de la distancia entre el artista y el crítico, es decir, la tendencia de los artistas a escribir y reflexionar sobre arte, bien fuera sobre la propia experiencia, con un cuestionamiento implícito de la praxis, bien sobre el arte en general o aspectos concretos del arte de los compañeros. Una crónica personal de su proceso creativo que da lugar al Libro de Artista.

El libro de artista rompe definitivamente con el concepto tradicional de libro ilustrado, basado

fundamentalmente en la combinación de texto e imagen que escritores y pintores venían realizando desde la mitad del siglo XIX. Este nuevo concepto de libro, que nace por la voluntad del artista como una obra de arte, como un objeto de arte donde se dan cita el espacio y el tiempo, se arraiga definitivamente a principio de los años setenta, con la eclosión y maduración del arte conceptual.

LIBRO DE ARTISTA

Estos libros nacieron con la intención de situar fuera del marco del espacio de la galería y de

los galeristas – esto es, del comercio del arte– las informaciones sobre arte y las intenciones del artista.

Es así como a partir del Arte Conceptual se establece la posibilidad de un diálogo entre teoría y praxis, entre saber y hacer en el ámbito de la actividad artística.

En el arte conceptual la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra y el mismo proceso –notas, bocetos, maquetas, diálogos– al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no sólo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, Process art, performance art, arte povera entre otros.

Si se contempla la evolución de los mercados de arte internacionales desde los años 70 del siglo pasado hasta la actualidad, se dará uno cuenta de la influencia tan diversa del movimiento Fluxus, Happening y del Videoarte. La estructura y la expresión artísticas plasmadas en muchas obras de arte contemporáneo expuestas en galerías, rinden inintencionadamente un homenaje a aquellos pioneros del happening, del Fluxus y del videoarte que revolucionaron el arte durante los años 60.

FLUXUS