Contra el arte latinoamericano.Gerando Mosquera

 Las relaciones entre arte contemporáneo, cultura e internacionalización se han revolucionado en los últimos tiempos. Hace sólo quince años vivíamos en otra época. Además del auge de la información electrónica, del impacto de la tan llevada y traída globalización, del fin de la Guerra Fría y de la modernización –a veces galopante- en vastas regiones del planeta, el cambio en el arte ha sido detonado específicamente por una expansión geométrica en su práctica y circulación.

Hemos dejado atrás los tiempos de los ismos y los manifiestos. La cuestión crucial en el arte hoy día es el extraordinario incremento de su práctica y circulación regional e internacional a través de una variedad de espacios, eventos, circuitos, y por medio de comunicaciones electrónicas. Se calcula que debe haber ya cerca de doscientas bienales y otros eventos artísticos de periodicidad fija en todo el mundo, sólo por mencionar un aspecto del crecimiento de los circuitos del arte. En esta explosión participa una vasta multiplicidad de nuevos actores culturales y artísticos que circulan internacionalmente y que antes, o no existían, o quedaban reducidos al ámbito local. Pensemos, por ejemplo, en que varios países del Pacífico asiático han pasado de la cultura tradicional al arte contemporáneo saltándose el modernismo. En cierta medida, “aprendieron” el arte contemporáneo por Internet. Este salto ha detonado una fructífera proximidad entre tradición y contemporaneidad, o, por el contrario, ha proveído al arte de la frescura, del atrevimiento, del candor y de la espontaneidad propios de quien no arrastra la cadena de una evolución histórica

CHRISTO, EL ARTISTA QUE REPENSÓ LOS ESPACIOS

 

 El pasado 31 de mayo, el artista Christo Vladimirov Javacheff (Bulgaria, 1935), más conocido como Christo, fallecía por causas naturales en su piso de Nueva York. Tras su perdida, el mundo del arte contemporáneo se queda sin uno de los artistas más carismáticos y característicos cercano al movimiento Land Art. Nos deja sus proyectos y sus instalaciones efímeras documentadas, pero perdemos su esencia, su presencia. Abandona el mundo del arte con un proyecto pendiente por hacer, recubrir con telas el Arco del Triunfo en París que, según han comentado fuentes oficiales, se llevará a cabo en septiembre de 2021.

El artista búlgaro, junto con su esposa Jeanne-Claude Denat de Guillebon, ha sido mundialmente conocido por llevar a cabo sus instalaciones cubriendo grandes monumentos y edificios consiguiendo acercar el arte contemporáneo al público general y generando espacios donde se transcendían los parámetros tradicionales de la escultura, la pintura y la arquitectura. Relacionados con el movimiento del Land Art, Christo y Jeanne Claude siempre trabajaron sobre elementos estructurales o espacios públicos llegando a ser conocidos mundialmente por cubrirlos con inmensas telas.

PRIMEROS PASOS

Nacido y criado en un ambiente convulso por las cuestiones políticas de la época, Christo consiguió generar desde sus inicios un estilo peculiar y personal basado en cubrir espacios con grandes telas o plásticos transparentes. Dejando su país natal, llegó a París donde conoció a la que se convirtió en su mujer toda su vida, Jeanne Claude, en 1958. Juntos, comenzaron a llevar estas instalaciones efímeras a espacios cada vez más importantes y particulares. Una de estas primeras instalaciones de carácter internacional, que realmente nunca llegó a realizarse, fue la de “cerrar” e “incendiar” la calle Visconti de París donde se encontraban numerosas galerías de arte.

CERCANO AL LAND ART

En 1964 llegaron a Nueva York y comenzaron a relacionarse con el Land Art y parte de sus teóricos y artistas como Robert Smithson, Robert Morris, Nancy Holt, Walter De Maria… A pesar de estos acercamientos y relaciones, tanto Christo como Jeanne Claude, siempre rechazaron la parte crítica del movimiento y veían sus composiciones más cercanas al llamado Nouveau Réalisme, variante francesa del pop art. Entre las muchas obras e instalaciones que destacan hasta la muerte de Jean Claude en 2009, destacan entre otras las acciones donde envolvieron parte de una costa australiana (1968-1969), un valle de Colorado (1970-1972), un espacio público en California (1972-1976), el Pont-Neuf de París (1980-1983), el Reichtag de Berlín (1972 y 1995), Surrounded Islands (1980-1983) …

La base de sus instalaciones era el carácter efímero de estas, ya que solo se encontraban visibles durante unas semanas. Por otro lado, la investigación y producción artística de la pareja era de lo más peculiar, pues financiaban sus acciones mediante la venta de pequeños dibujos previos y rechazaban cualquier ayuda o subvención pública y privada. Además, las intervenciones de Christo presentaban una alta complejidad llegando a tardar años en materializarse debido a los numerosos papeleos y permisos de las administraciones públicas necesarios. A pesar de esto, solo realizaron unos 22 proyectos de los 60 que llegaron a generar, Christo siempre defendió que “parecerá poco, pero mi obra no es como pintar un cuadro. Más bien se parece a la arquitectura. Y, si un arquitecto dijera que ha logrado levantar la mitad de sus proyectos, a nadie le parecería poco”, afirmaba Christo en 2016 en una entrevista[1].

UN LEGADO INFINITO

Chisto consiguió modificar estructuras sobrias en espacios atractivos. Entre la escultura y la arquitectura, buscaba transformar la vida cotidiana en una obra de arte para que el espectador fuera capaz de repensar los objetos mediante una mirada nueva. Tanto Chisto como Jeanne Claude, rechazaban las ideas tradicionales del arte relacionadas con el mercado e incluso la cultura. Por ello, sus obras se caracterizaban por su carácter efímero buscando reescribir la historia de esos edificios o espacios.

Fuente:https://www.lemiaunoir.com/

León Ferrari.

 Homenaje afectivo a 100 años de su nacimiento

Definir el arte contemporáneo

Arièle Dionne-Krosnick, Asistente curatorial, Departamento de Arquitectura y Diseño MoMa

El arte contemporáneo cuenta una historia sobre lo que el artista está viviendo. Responde a las preocupaciones del presente, ya sean personales, sociales o políticas, y las traduce en forma. Transmite una sensación de urgencia que se manifiesta de manera diferente según los materiales y el proceso del artista.

Christian Rattemeyer, Director, SculptureCenter, anteriormente Harvey S. Shipley Miller Curador Asociado, Departamento de Dibujos y Grabados, MoMA

El arte contemporáneo es una nueva voz en un diálogo continuo de ideas artísticas. Todos los artistas que trabajan hoy luchan, miran, se inspiran y rechazan todo el arte que ha existido antes. Es la capa superior de una sedimentación de propuestas, estilos, ideas, imágenes, formas y vocabularios que se han ido acumulando con el tiempo.

El arte contemporáneo es una forma de mirar el mundo y dar sentido a las preguntas, problemas, alegría y caos que existen a nuestro alrededor y tratar de encontrar una expresión que le dé forma o tenga sentido. A veces puede asumir problemas urgentes y globales, pero también puede ser extremadamente íntimo o tratar con el lenguaje del arte mismo: abstracción, color o formas. Puede tratarse del proceso y la inventiva de crear nuevas tecnologías y nuevos materiales.

El arte contemporáneo a menudo puede sentirse como una cosa oscura, evasiva o casi hostil que la gente evita o que se presta al ridículo y la burla. Espero que al establecer conexiones entre diferentes enfoques del arte contemporáneo y el mundo que nos rodea, el curso le permita explorar las preguntas que hacen los artistas y aplicarlas a sus propias situaciones.

Sophie Cavoulacos, curadora asistente, departamento de cine

El arte contemporáneo está lleno de posibilidades, porque puedes recoger un hilo que sea significativo para ti en una obra de arte y seguirlo. También puede ser un desafío, porque puede no contar una historia de una manera que sea inmediatamente reconocible o que no sea algo para lo que tenga un marco de referencia. Pero creo que ese desafío es emocionante porque cuando haces conexiones, son tuyas.

Erica Papernik-Shimizu, curadora asociada, Departamento de Medios y Rendimiento

Las formas de arte efímeras, en lugar de físicas, como imágenes en movimiento o presentaciones en vivo, pueden considerarse como un medio para visualizar o amplificar las ideas de un artista. Estas ideas reverberan entre los espectadores de maneras infinitas, cambiando de forma a medida que recurrimos a nuestras propias asociaciones y experiencias para formar una interpretación del trabajo. De esta manera, el arte contemporáneo es fundamentalmente abierto y de múltiples capas, desafiando los límites tradicionales de medio y género.

El crítico Leonel Estrada lo define del siguiente modo: «Movimiento que a partir de mediados del siglo XIX aparece como una revolución artística que se inicia y trata de apartarse progresivamente del arte tradicional de Occidente. Genéricamente, el Arte Contemporáneo es una discordancia que no se ciñe a problemas formales, técnicos o estéticos sino que es algo que afecta su uso social, creando perplejidad en la gente. Ya no es la belleza el canon de medida; ni es la perspectiva, ni la proporción, tampoco son ya la armonía y la simetría lo que este arte ilustra. De ahí que el espectador pregunte, frecuentemente en este arte contemporáneo, ¿Qué es lo que esto significa?

Lo contemporáneo en el arte también ha sido asociado al surgimiento de las vanguardias históricas. Peter Bürger plantea que la meta de las vanguardias históricas (futurismo, dadaísmo, surrealismo, cubismo, expresionismo) fue la reconciliación del arte con la praxis de la vida. En su intento por eliminar el vacío entre arte y vida la vanguardia debía destruir la institución arte y transformar su aislamiento en una fuerza productiva para el cambio social. A través de las vanguardias, según Bürger, el subsistema artístico alcanza un estadio de autocrítica, tanto contra el aparato de distribución artístico, como contra el status del arte en la sociedad moderna.

La posición generalizada que atribuye lo específicamente contemporáneo a la neovanguardia que surge en los 60. Esta transformación no solo compromete al artista y su práctica sino que desde el dadá hasta el pop art, pasando por el happening, performances, arte povera, arte conceptual, entre otros, se viene produciendo una transformación en el rol del público. Las diversas vanguardias artísticas han buscado distorsionar las líneas divisorias entre arte, obra y público, realizando una completa revisión entre las fronteras arte/vida, creación/ percepción, producción/ recepción, autoridad /realidad, intentando romper la dinámica jerárquica y piramidal modelada por la pasividad del espectador

Martin Prada

Al analizar las creaciones artísticas de nuestro presente no debemos buscar reforzar la estabilidad de un presupuesto significado, su fijación, sino facilitar las maneras de su deslizarse, de su derivar, de su migrar. La crítica debe servir para proveer a la obra de posibles sentidos.
Como actividad de señalamiento de tensiones, de fuerzas, el ejercicio de análisis evidencia la insuficiencia de todo enunciar, de todo decir, en el reconocimiento de las infinitas lecturas viables de la obra, de sus infinitas interpretaciones, de la multitud de recorridos posibles a través de ella. Lejos de verla como unión más o menos brillante de contenido y forma, se trata de esclarecer en ella los infinitos juegos de correspondencias indirectas que la constituyen esencialmente.
Si al hablar de arte asumimos elementos retóricos, lo será no para convencer ni persuadir, sino para situar la lectura de sus manifestaciones en una deriva posible de significados. Y si puede defenderse la idea de una cierta «ilegibilidad» de la obra de arte, no debe identificarse esta defensa con la de la imposibilidad de su lectura, o con nuestra cesión ante su carácter a menudo críptico, sino con la aceptación del imposible acabamiento de esa acción de desenredo; con el reconocimiento de su condición infinitamente interpretable. No olvidemos que la crítica debe evidenciar siempre las formas de un doble rebasamiento: tanto de lo que creemos que en la obra se da a leer, como también de lo que el artista quiso expresar....

Antes de comenzar, tómese un momento para reflexionar y responder a estas preguntas:

¿Qué es para usted el arte contemporáneo?
¿Cuando comienza?
¿Cuáles son algunas preguntas que tienes sobre el arte contemporáneo?

https://artishockrevista.com/2020/04/29/el-rol-del-arte-en-tiempos-de-pandemia/

Recuerden que para la promoción directa  tienen que tener el 100% de los trabajos entregados para mañana. Si no los tengo registrados les pido que me los envíen lo antes posible.

Por ahora estoy haciendo las correcciones de los que mandaron el trabajo 6

Hoy nos encontramos a las 20 hs para presentar los trabajos 

en meet 

https://meet.google.com/ihx-mttx-mjk?pli=1

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